Tops de estrenos

Top de estrenos de 2015: Parte 4

A lo largo de los últimos posts hemos ido recorriendo la lista de las que para nosotros –teniendo en cuenta los variados gustos de cada uno de los siete redactores que hemos participado en menor o mayor medida– son los 50 mejores estrenos de 2015. Este es el momento de publicar nuestro particular top 10, con películas que han enamorado a todos sin lugar a discrepancias y alguna que otra polémica cuya oposición no ha encontrado rival en las entusiastas notas de aquellos que la adoran. Algunos de nosotros ya hemos perdido a nuestra favorita de este año en las partes anteriores, pero encontramos aquí algunas de las películas que nos han fascinado y que tendrán un lugar importante en nuestro recuerdo de este año 2015.

Podéis consultar los fragmentos anteriores de la lista (en orden de publicación) aquí, aquí y por último aquí. Solo queda agradeceros vuestro tiempo y recordaros una vez más que esto no es más que una lista de tantas y que cada uno tendrá la suya propia. Por ello, hemos decidido que el último día del año algunos de nosotros publicaremos en un post por separado nuestro top, de forma que pueda verse la disparidad de criterio existente y lo difícil que resulta, en un buen año de cine, encontrar puntos comunes para el consenso. Y sin más cháchara, allá van nuestros 10 mejores estrenos:

 

10. Mandarinas (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013)

El director Zaza Urushadze compone una fábula antibelicista durante una guerra civil. Un hombre que se encuentra en el país con el pretexto de ayudar a un amigo con la cosecha de mandarinas se mete en aguas pantanosas al salvar la vida a un soldado de ambos bandos del conflicto latente en el país. La sobriedad formal no impide la gran tensión que se va creando a lo largo del film. Una introspección sobre la condición humana en situaciones extraordinarias. Urushadze tiene intenciones claras y directas. Intenta eliminar las barreras que van unidas a la nacionalidad y a los prejuicios para forzar una amistad. El trabajo actoral es sublime y llenan de matices a unos personajes muy bien dibujados. Si queréis leer más en profundidad sobre esta extraordinaria cinta, podéis leer la crítica que escribió nuestro redactor Iván Ginés aquí. Brian Garrido.

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9. 45 años (45 Years, Andrew Haigh, 2015)

A partir de una premisa mínima, Andrew Haigh se sirve para diseccionar la relación de una pareja consolidada en el momento que cualquiera imaginaría de mayor estabilidad. Y puede que así sea, pero hay pequeños secretos que cuando salen a la luz levantan suficiente mugre como para tambalear los cimientos de toda estructura, por grande que sea. Los cimientos de este sensacional drama no son otros que Charlotte Rampling y Tom Courtenay, cuya veracidad traspasa la barrera interpretativa para convertirse en un verdadero matrimonio durante más de hora y media. Lo de Rampling es de otro mundo. La forma en que maneja la emoción –y las emociones– el director británico me asombra, pues nos introduce en una aparente capa de normalidad que poco a poco se cubre –y nos cubre– de tensión y termina por explotar en una secuencia formidable, de las que tardan mucho en desaparecer de nuestra memoria, si lo hacen. Un drama certero, sutil y elegante, que brilla tanto por sus dos inspiradísimos intérpretes como por una economía narrativa sin igual. Aquí hablo más a fondo sobre esa maravilla. Iván Ginés.

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8. Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia
(A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence, Roy Andersson, 2014)

«Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia» supone la última parte de la trilogía del cineasta sueco Roy Andersson sobre el ser humano. Como viene siendo costumbre en el director, su humor siempre suele causar rechazo en algunos espectadores debido a la inconexión con él. Porque si bien es un humor que oscila entre la comedia negra y la absurdez, se ríe de la propia condición humana. Sólo hay que apreciar su comienzo en el que muestra la reacción de la muerte en diferentes personas: desde la indiferencia hasta la crueldad. No es una película sencilla de ver. A pesar de que tiene momentos realmente duros, el que conecte con su humor se reirá, lo que incita a la reflexión. Una joya profundamente pesimista. Podéis leer la crítica que escribió nuestro redactor Iván Ginés aquí. Brian Garrido.

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7. Lost River (id, Ryan Gosling, 2014)

Desde que se proyectó en el Festival de Cannes de 2014, la ópera prima de Ryan Gosling ha cosechado una profusa cantidad de rechazo y de críticas nefastas, algo con lo que estoy totalmente en desacuerdo. Gosling compone una fábula opaca sobre una sociedad descompuesta. Ambientada en Detroit, pero es una historia que se puede extrapolar con sencillez a otro espacio. Resulta sorprendente cómo el actor canadiense convertido en director maneja de forma maleable diferentes estilos de otros directores. Usando el fuego y el agua para contrastar el pasado y el futuro, algo que recuerda a Tarkovski, o un par de secuencias que son homenajes directos a Lynch. Pero Gosling no los usa como un recurso estético, que también, sino como recurso narrativo. Uno de los mejores debuts de los últimos años. Nuestro redactor Iván Ginés habló de ella aquí. Brian Garrido.

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6. Whiplash (id, Damien Chazelle, 2014)

Unos tambores de batalla nos introducen a un intenso duelo entre profesor y alumno que es «Whiplash». Una película sobre el amor y obsesión de dos seres por conseguir la perfección del artista, bajo unos métodos que pueden parecer excesivos, pero Damien Chazelle nos deja juzgar eso a cada uno de nosotros. Todo esto llevado por las sobresalientes actuaciones de Miles Teller y J.K. Simmons –que le valió el Oscar, merecidísimo–. Sangre, sudor y golpes de baqueta hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante, convirtiendo el visionado en una experiencia única. Los últimos 15 minutos consiguen que te olvides de tus preocupaciones, de respirar, e incluso de tu propia existencia; y al aparecer los créditos un estado de éxtasis. Aunque el final no es tan maravilloso como parece, ya lo dijo Faure en un genial artículo. En resumen, si el cine es emoción, «Whiplash» es puro cine. Lluís Fabregat.

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5. Del revés (Inside Out) (Inside Out, Pete Docter y Ronnie Del Carmen, 2015)

El imaginario de personajes del estudio de animación Pixar ha ido evolucionando a lo largo de los años de forma semejante al desarrollo mental del niño: partiendo de elementos comunes, que se encuentran diariamente en la realidad palpable del chico –como juguetes o animales–, se pasa a la deformación fantasiosa de estos –creando monstruos o robots– o al manejo de conceptos globales –como la identidad de un país–, desembocando finalmente en la comprensión y manipulación de ideas abstractas. «Inside Out» contiene la esencia de una coming of age movie, pero situada en la pre-adolescencia, etapa anterior a la que suele mostrarse en las cintas propias de este subgénero. En parte debido a esto, la obra de Pete Docter y Ronnie Del Carmen se libera de las características típicas de las coming of age –como el estudio del despertar sexual o del asentamiento de los valores morales– y centra sus esfuerzos en un elemento que aparece como constante en este tipo de cintas, pero que permanece como un ambiente latente, de fondo y siempre en conflicto: los sentimientos, que ahora se delimitan, se perfilan como verdaderos arquetipos y se sitúan en el primer plano de la acción. El resultado constituye una obra madura y con múltiples aristas, en la que lo intelectual converge con lo emocional, logrando dibujar un retrato sincero del crecimiento infantil desde una perspectiva general no paternalista, sino nostálgica en lo referente al pasado e ilusionada por lo que sabe que llegará, haciendo de ella el trabajo más redondo de Pixar. Irene Castro.

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4. El Club (id, Pablo Larraín, 2015)

De entre todas las vías que existen para remover conciencias, Pablo Larraín escogió para su nuevo trabajo la vía de la incomodidad, escapando de la denuncia emotiva tan manida y tan poco eficaz y optando por el camino más sacrificado, aquel en el que el más pequeño desliz puede llevarte al exceso y la gratuidad. No obstante, el cineasta chileno, siguiendo el ejemplo de piezas maestras de lo incómodo como la inolvidable –por el efecto que genera– «Saló, o los 120 días de Sodoma» de Pier Paolo Pasolini, sortea con inteligencia los errores más comunes y, en un milimetrado y meditado despliegue de recursos, elabora una de las obras más perturbadoras de nuestro tiempo, que al igual que ocurre en las piezas más inquietantes de la historia, tiene su mayor baza en su terrorífico y desconcertante sentido del humor. Hablé más a fondo sobre ella aquí. Álvaro Faure.

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3. Heimat – La otra tierra (Die Andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht, Edgar Reitz, 2013)

«Heimat – La otra tierra» es un logro cinematográfico absoluto, tan extraordinaria por lo que cuenta como por la forma en que lo hace. No contento con eso, Reitz nos regala uno de los trabajos más bonitos a nivel visual del cine moderno. La fotografía en blanco y negro de Gernot Roll es un gozada, destacando en momentos determinados algunos objetos con un más que estudiado uso del color. La facilidad con la que la historia se centra en desarrollar otros personajes y familias casi sin que nos demos cuenta es remarcable, y algunas transiciones, zooms y planos aéreos no hacen más que elevar esta película a la categoría de obra maestra. Una obra mayúscula, completada a partir de pequeños pedazos de gran cine. Un trabajo con un incuestionable aroma a cine clásico que se confirma como una de películas más importantes de los últimos tiempos. Esto y más os conté sobre ella meses atrás. Iván Ginés.

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2. Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)
(Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance), Alejandro González Iñárritu, 2014)

El éxito cosechado por «Birdman» en la pasada gala de los Oscar la ha hecho víctima de toda clase de acusaciones, críticas con mayor o menor fundamento que examinan con detalle elementos que considero que, realmente, tienen poco peso en una película en la que el virtuosismo en la dirección de un Iñárritu desatado pero no excesivo, el genio del aclamado Lubezki en la fotografía y un guion trufado de maravillosos momentos, consiguen hacer sombra a la rabiosa e histérica crítica contra el cine de superhéroes en la que se ha pretendido encasillar una obra que bajo la superficie, tras la pirotecnia y la aparente ambición, esconde un cine sencillo humano, amargo y cargado de desilusión, pero al mismo tiempo impregnado de esa ilusión que brilla en los ojos de Emma Stone en el plano que cierra esta vibrante y magnífica obra. Escribí esto sobre ella cuando tuve la oportunidad de verla. Álvaro Faure.

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1. Leviatán (Leviafan, Andrei Zvyagintsev, 2014)

Al igual que en «Elena», en «Leviatán» cierra la película el mismo plano encargado de abrirla. En ese lapso de algo más de dos horas entre ambos planos transcurre una de las mejores películas de esta primera mitad de década. Es la tragedia de un hombre cualquiera la que se desarrolla en el último trabajo de Andrei Zvyagintsev, que ve cómo lo pierde todo frente a un sistema que le oprime y al que no puede hacer frente. Como ese monstruo marino que da nombre a la película, el mal de nuestra sociedad se presenta implacable y capaz de arrasar con todo a su paso. Un trabajo de escritura sobresaliente al que da forma uno de los directores más talentosos de la actualidad, capaz de embellecer por medio de las imágenes hasta los acontecimientos más turbios que podamos imaginar. El frío de esa gélida Rusia se transmite hasta nuestros huesos, dejándonos una sensación de incomodidad una vez finalizado el visionado. Pero también la sensación de haber asistido a otra lección magistral del que será uno de los autores que serán recordados por generaciones venideras. Aquí podéis leer algo más detallada mi opinión sobre esta genialidad, que además se ha vuelto bastante más positiva con el paso del tiempo. Iván Ginés.

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